Simbolismul este cel mai bine definit ca o atitudine mentala manifestata in literatura si arta vizuala, caracterizata prin motive si reprezentari ireale. Ideea de baza a fost ca realitatea vizibila si definibila reprezinta doar primul plan al unei scheme universale. Exprimarea acestei scheme in arta nu a fost posibila direct, ci doar prin sugestii si aluzii. Metaforele si alegoriile artei simboliste au aratat evenimentele imposibile in natura care ar putea fi traite in vise, transa sau extaz.
Radacinile acestei atitudini ajung mult inapoi in istorie si se extind prin diverse culturi. Romantismul purta deja trasaturile artei simboliste, care a fost doar amplificata in lucrarile prerafaelitilor. S-a raspandit in arta lui Puvis de Chavannes si Gustave Moreau in Franta si Hans von Marees si Arnold Bocklin in Germania. Acesti artisti, considerati adesea pionieri, au influentat mai tarziu urmatoarea generatie mai tanara de artisti.
1. Arnold Bocklin, Autoportret cu moartea jucand la lautari , 1872
Important pentru simbolismul european ca artistul insusi, Autoportret cu moartea jucand lautari a fost pictat in 1872 de Arnold Bocklin. Este o imagine paradigmatica a artei simboliste. Autoportretul lui Bocklin poarta noua imagine si rolul artistilor de la sfarsitul secolului al XIX-lea.
Artistul nu trebuie sa fie un cetatean de succes, ci un erou, legitimat prin experiente sau fantezii extraordinare. Elementul romantic al singuratatii artistului si a fi inteles gresit a capatat o conotatie pozitiva in Simbolism.
Contactul artistului cu experientele de instrainare si greutati, cunoasterea intima a viselor si cosmarurilor si complexul Erosului si al Mortii i-au oferit o noua pozitie in societate. In pictura lui Bocklin, Moartea cantandu-si melodia este ascultata cu atentie de artistul care incearca sa adune inspiratie pentru opera sa. Pe urmele lui, multi artisti au explorat experienta mortii ca sursa de inspiratie pentru portretele lor. Pictori germani precum Hans Thoma, Oskar Zwinschter si Lovis Corinth au avut toti versiunile lor ale imaginii.
2. Franz von Stuck, Sin , c. 1908
Freud si dezvoltarea psihanalizei, miscarea femeilor si lupta dintre sexe, asa cum se reflecta in literatura secolului al XIX-lea, au oferit un fundal pentru proiectiile femeii in arta simbolista. Aceste proiectii amintesc adesea termeni precum incurcarea, captarea in capcana si mancatul de oameni. Aceste proiectii au atins imaginea unei femei fatale cu variatii nesfarsite in arta simbolista.
La sfarsitul secolului al XIX-lea si inceputul secolului al XX-lea, Franz von Stuck a pictat cel putin unsprezece variatii din Sin . Figura palida a unei femei ocupa cea mai mare parte a tabloului; capul si parul plin si intunecat stau in umbra. Un sarpe negru se infasoara in jurul soldurilor si abdomenului ei, ascunzand zona pubiana. Dupa ce s-a incolacit din vedere in spatele figurii, capul ei reapare cu gura usor deschisa. Atat sarpele, cat si femeia se uita inapoi la privitorul (probabil de sex masculin), ademenind si pregatindu-se pentru distrugerea lui.
3. Odilon Redon, Floarea de mlastina , 1885
Floarea de mlastina este o litografie realizata de Odilon Redon ca parte a unei serii intitulate Omagiu lui Goya . Cele sase litografii din aceasta serie au fost inspirate de Los Capricos al lui Francisco Goya , a carui tema era maltratarea irationala a fiintelor umane unul fata de celalalt, o oda pesimismului lui Goya.
Sursa acestei creaturi este imaginatia artistului, conceputa mai degraba conform intuitiei artistului decat academic sau orice alta traditie. Redon a preferat sa lucreze doar in alb-negru (a folosit rar culoarea pana dupa 1900) pentru ca a simtit ca se potrivea cel mai bine cu reprezentarea nevizibilului. Culoarea a creat asocieri cu lumea vizibila pentru majoritatea spectatorilor si a fost o lume nevazuta pe care o reprezenta Redon. Floarea de mlastina iese dintr-un vid ambiguu din punct de vedere spatial si, ca multe dintre creaturile lui Redon, este un hibrid intre o planta si un om.
O alta sursa pentru creaturile lui Redon au fost lucrarile naturalistilor francezi, care, urmand lucrarile lui Charles Darwin, au sugerat existenta unor specii hibride disparute de-a lungul istoriei. Interpretarile contemporane ale fosilelor si zoologiei comparate au implicat existenta mamiferelor care aratau si se comportau ca pestii si viermii care erau hermafroditi.
4. Felicien Rops, Pornocrates , 1878
Felicien Rops, un ilustrator belgian, a adoptat dragostea simbolista a macabrului. Talentul sau exceptional era insa pentru subiectele pervers erotice si blasfemiatorii. In aceste domenii, s-a bucurat de o mare reputatie si infamie. Dupa cum era de asteptat, natura explicita a lucrarii sale a provocat mari scandaluri.
Pornocrates sau Femeia cu un porc , cea mai cunoscuta lucrare a sa, a fost o pictura Rops realizata in 1878. A marcat punctul de cotitura catre subiecte si expresii simboliste. Este o imagine a unei femei aproape goale, manusile si ciorapii ei subliniind si mai mult goliciunea. Cu o legatura care ii acopera ochii, femeia este condusa de un porc in lesa, asemanator unui caine. In aer sunt trei putti , iar dedesubt este o friza care contine alegorii de sculptura, muzica, poezie si pictura.
In Pornocrates , Rops a adus un omagiu stapanirii indemnurilor incontrolabile in timp ce batjocoreste morala represiva si ipocrizia epocii moderne.
5. Gustave Moreau, Orfeu , 1865
Gustave Moreau este unul dintre primii artisti simbolisti ale carui lucrari au inspirat o noua generatie mai tanara de artisti francezi. In arta simbolista, ca si in opera lui Moreau, se acorda o importanta considerabila creativitatii; o persoana care poate crea ceva este vazuta ca o fiinta umana exceptionala.
Pictura lui Gustave Moreau Orfeu a influentat foarte mult redarile simboliste ulterioare ale mitului. Infatiseaza momentul victoriei dupa moartea tragica cand fecioara traca, tinand capul in brate si contemplandu-l in pace, a devenit constienta de puterea ei.
Artistii simbolisti de la sfarsitul secolului al XIX-lea au gasit o expresie profunda a atitudinii lor estetice-religioase complexe in figura lui Orfeu. Capul lui Orfeu este aici o imagine a izolarii eterne a artistului, neinteles si martirizat si venerat abia dupa moartea sa. Moartea prin dezmembrare il transforma pe Orfeu intr-o victima si un martir. In acelasi timp, pregateste scena pentru victoria triumfatoare a transcendentei sale a mortii cu puterea cantecului si a muzicii.
6. Puvis de Chavannes, Pescarul sarac , 1881
Puvis de Chavannes a fost un pictor francez considerat de obicei precursorul artei simboliste. Puvis era independent, lucrand rareori in traditia academica si nici abordand evenimentele curente. The Poor Fisherman , cea mai faimoasa lucrare a sa, a fost intampinata cu o mare ostilitate cand a fost expusa la Salonul din 1881. Cu toate acestea, statul a cumparat-o in 1887, iar prin anii 1890, a ajuns sa fie considerata in general o capodopera a artei simboliste. . Alti artisti l-au admirat foarte mult, inclusiv Gauguin, Seurat, Signac, Maillol si Nabis.
In timp ce titlul lui Poor Fisherman sugereaza o tema compatibila cu realismul social, calitatea generica a imaginii ii confera o rezonanta mai larga. Fizicul subnutrit si pozitia pasiva nu erau amenintatoare, iar capul plecat si mainile impreunate sugereaza supunere. Aspectul de Hristos al pescarului, insotit de pruncul nud si tanara mama, evoca imaginea Sfintei Familii. Fara nimic spus in mod explicit, evocarea si sugestia picturii prezinta calitatile esentiale ale artei simboliste.
7. Jean Delville, Scoala lui Platon , 1898
Jean Delville a fost un participant central in miscarea de arta simbolista din Franta si Belgia la inceputul secolului al XX-lea. Opera sa monumentala, Scoala lui Platon , a aparut pentru prima data la Salon d’Art Idealiste din 1898 din Bruxelles. Accentul picturii este figura cu barba a lui Platon din centru, inconjurat de doisprezece barbati nud intr-un peisaj idilic. Platon este asezat pe o banca de marmura sub un copac plin de ciorchini de flori de glicine. Ca si in cazul tuturor picturilor lui Delville, simbolismul sau complex este descifrat in sursele ezoterice care informeaza o mare parte din opera sa.
Pictura se refera la scrierile lui Deliville despre teoria estetica si filosofia sa teosofica. Cartea sa The New Mission of Art face frecvent referire la armonie si vibratie ca conditii esentiale pentru frumusete. Misiunea artistului este de a crea lucrari care intruchipeaza valori numerice si forme geometrice intr-un mod cat mai unificat, echilibrat si armonios posibil. Delville credea ca prin armonii si „vibratii”, artistul face o punte intre material si spiritual, dintre lumea naturala si cea supranaturala. Compozitia si modelele triunghiulare ale picturii, asezarea figurilor si gesturile lor sugereaza toate ideile exprimate de Delville in cartea sa.
8. Giovanni Segantini, Mamele rele , 1894
Cunoscute cel mai bine pentru peisajele sale alpine, lucrarile lui Giovanni Segantini demonstreaza modul in care arta si ideile simboliste s-au raspandit in Europa si au ajuns chiar si in Italia. Intre 1891 si 1896, artista a pictat o serie de lucrari cu femei respingand ceea ce era vazut ca destinul lor natural, maternitatea.
Pictata in 1894, Mamele rele este una dintre cele mai faimoase lucrari ale lui Segantini. In acest peisaj sterp, o femeie invelita in panza neagra este legata in mod misterios de un copac gol de parul ei curgator. Formele sale rasucite sugereaza pacatul si chinul ei, fara nicio speranta de mantuire.
Pictura a fost supusa unor interpretari diferite. Dovezile circumstantiale ofera unele indrumari in formarea cel putin unei idei generale despre continutul picturii. In anii 1890, un copil din zece a murit in copilarie, iar unul din sapte a murit de tuberculoza in copilarie. Intrucat mamele erau in primul rand raspunzatoare pentru copiii lor, orice nenorocire care se intamplase asupra lor era privita ca vina mamei. Mamele rele ale lui Segantini ar putea suferi pentru infractiuni la fel de grave precum abuzul asupra copiilor sau tuberculoza. Artista o pedepseste pe mama rea pentru iresponsabilitatea si neglijarea ei fata de urmasi.
9. James Ensor, Intrarea lui Hristos la Bruxelles in 1889 , 1889
Artistul belgian James Ensor a fost pasionatul mastilor printre artistii simbolisti. Si-a luat motivele din Carnavalul din Ostende si din magazinul de curiozitati condus de mama lui. Functia normala a mastii in arta simbolista este inversata, deoarece serveste la demascare. Tot ce este rau, rau intentionat, corupt, rautacios si ridicol despre fiintele umane este subliniat prin trasaturile faciale exagerate ale mastilor. Pierderea identitatii personale confera figurilor deghizate un aspect misterios, ciudat si ambiguu.
Intrarea lui Ensor a lui Hristos la Bruxelles in 1889 satirizeaza societatea contemporana. In mod misterios, opera nu a fost expusa niciodata in timpul vietii artistului. Aici, Ensor si-a imaginat un eveniment absurd: a doua venire a lui Hristos in timpul festivitatilor de Mardi Gras dinaintea Postului Mare de la Bruxelles. Titlul face aluzie la intrarea biblica a lui Hristos in Ierusalim. Ensor a vazut lumea contemporana ca pe o farsa de carnaval plina de cruzime si prostie. In aceasta multime zgomotoasa de fete mascate, Iisus nici nu apare in mod proeminent si nici nu este recunoscut de petrecareti, dar pe podium este un banner care proclama: „Traiasca Isus, Regele Bruxelles-ului”.
10. Edvard Munch, Viziune , 1892
Edvard Munch, precursorul expresionismului german, este renumit pentru metodele sale de lucru neconventionale, experimentand procesul creativ si subiecte psihologice. Viziunea , o lucrare timpurie a lui Munch, apartine sferei artei simboliste. Pentru Munch insusi, pictura a fost una dintre imaginile sale centrale din anii 1890. A fost prezentata in toate expozitiile sale semnificative intre 1892 si 1898 si a fost planificata ca imaginea centrala a Frizei Vietii.
Acest tablou, descris de istoricii de arta ca un „autoportret neconventional”, reprezinta un cap uman deformat care pluteste in apa. Alunecand linistit deasupra este o lebada alba, un motiv incarcat cu simbolism. Reprezinta o experienta vizionara care difera de o viziune spirituala si o iluminare comuna in arta simbolista. Cu toate acestea, inca de la prima sa expozitie, simbolismul sau a fost considerat atat confuz, cat si bogat. Lebada poarta o gama larga de asocieri, de la moarte si erotism pana la idealul artistic de neatins si suferinta creativa centrala pentru arta lui Munch. Capul fara trup, in arta simbolista in general, sugereaza sufletul sau inteligenta care se straduieste sa se ridice din lumea corporala in unirea cu un spirit panteist.
